Pressespiegel

In der Endlosschleife

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Was ist Gewalt? Was macht sie mit uns? Von diesen Fragen ausgehend hat die Gruppe SKART gemeinsam mit Kindern und Jugendlichen die Performance "War Games" entwickelt: ein Mix aus Theater, Tanz, Sound und Video. Irritierend, bedrohlich, bildgewaltig.

Krieg ist brutal, grausam, tödlich. Ein Spiel verspricht Leichtigkeit und Freude. So gegensätzlich die Begriffe sein mögen: Auch Krieg wird gespielt. Kinder mimen Räuber und Gendarm, Gamer werden zu Soldaten, die in der Normandie landen oder als Sniper durch Häuserschluchten rasen. Andere simulieren Krieg – als Übung für die Realität. Denn Krieg zieht sich durch die Menschheitsgeschichte. SKART 'entkleidet' in "War Games" den Krieg und legt sein Skelett frei: die Gewalt.

An der Schmerzgrenze

Am linken Bühnenrand tropft es schleimig aus Fäden auf einen dort liegenden Körper in Tarnfarbenoptik. Zwei große Stoffbanner mit Greifvögel- und Tauben-Silhouetten hängen vom Bühnenhimmel herab. Rechts am Boden stehen Computer und Mischpult. Von hier aus wird der Sound von Noisekünstler Deniz Khan live eingespielt. Er lässt sanfte Melodien auf harten Beat knallen, erzeugt dystopische Dissonanzen, die an die Schmerzgrenze gehen: Klang, der einlullt und aggressiv macht. Und sich so anfühlt, als verstehe da einer das Menschsein in seinem tiefsten Inneren.

In der Bühnenmitte performen die Kinder und Jugendlichen in weißen Uniformen, eine Mischung aus Boxring und Star Wars (Kostüm: Janne Plutat). Vier Begriffe, verschiedene Aspekte von Gewalt, dienen per Projektion als Überschriften zu den zwölf Szenen, die jeweils durch ein Black und eine Art Erkennungsmelodie getrennt sind: Reue, Vergessen, Macht, Exzess. Wobei es hier nicht um eine strikte, geschweige denn offensichtliche Zuordnung geht. Vielmehr dienen die Begriffe dazu, Assoziationsketten in Gang zu setzen.

Zu 'Reue' tragen Jugendliche riesige, schwebende Silberkissen wie Luftballons an Fäden über die Bühne. Unter der Überschrift 'Vergessen' zünden die Darstellenden Papierfetzen an, die verglühen – und an Video-Berichterstattungen erinnern, in denen die über einer Stadt niedergehenden Bomben als Leuchtkugeln erscheinen. 'Exzess' realisiert sich im entsprechenden Sound: eine Kakophonie an Geräuschen, Explosionen, Rauschen, das hohe Piepen im Ohr nach einem Knalltrauma. Dazu reißen die Spielenden die Münder zu stummen Schreien auf, pressen sich die Hände auf die Ohren: eine extrem beklemmende Szene.

Brei aus der Fliegerbombe

Texte ergänzen die Szenen beim Aspekt 'Macht'. Live eingelesen, entpuppen sich ihre Protagonisten als sechs Millimeter Mauser Pistole, als Fliegerbombe. Oder als astreiner Gewaltfanatiker: "Wenn ich an dich denke, klebe ich dir mit Sekundenkleber die Augenlider zu. Ich schneide dir die Wimpern ab und verstopfe dir mit deinen Wimpern die Nasenhöhle." Die trotz gewaltsamen Inhalt poetischen, teilweise absurden Texte strotzen vor Bildern. So wird aus der Fliegerbombe Brei, der in einer kleinen silbernen Schale, dem Löffel, mit Brummgeräusch auf einen großen, schreienden Schlund zubewegt wird: "Schön aufmachen, hier kommt das Flugzeug!"

Nach jedem Viererzyklus fällt die Stellwand im Hintergrund um. Kurz herrscht röhrende Stille – bevor alle die Wand wieder aufstellen. Eigentlich eine Szene, die auf Gemeinsamkeit zielt. Sieht man aber die Wand als ein Symbol für das 'Immer wieder' der Gewalt und des Krieges, was auch der "Geschichte wiederholt sich (nicht)"-Chorus der Darstellenden als Interpretation anbietet, wandelt sich der positive Charakter in Desillusion: Es ist die Menschheit an sich, die die Gewalt immer wieder von vorne auslöst – selbst wenn es noch so oft "nie wieder" heißt.

Prall, drastisch, außergewöhnlich

Das Ensemble begeistert mit ausdrucksstarker Gestik und Tanz, mit Synchronität und durch die Überzeugung, die hinter der Darstellung durchschimmert. Die Inszenierung lässt viel Freiraum, sowohl den Spielenden als auch dem Publikum. Der Abend ist prall, drastisch, ballert auf Ohren, Augen und Magen. Wer – abgesehen von den drei Texten – krampfhaft versucht, den Szenen eine 1:1-Zuordnung zu geben, scheitert. SKART spielt mit Eindrücken, Bildern, die im Kopf haften und bei jedem anderes keimen lassen. Extremes Assoziationstheater in außergewöhnlicher Form. Und deshalb mit enormem Nachhall.

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Krieg in der Spielwelt

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„War Games“ fragt, wie Kinder Krieg und Gewalt erleben, und zeigt bildstark mitüberraschenden Perspektiven, wie tief Konflikte unser Handeln prägen.

Die Liste mit den Triggerwarnungen, die im Kampnagel-Foyer in Hamburg vorher verlesenwird, ist lang: schnelle Lichtwechsel, Stroboskop, Dunkelheit, laute Sounds, Pyroeffekte,Schüsse aus einer Druckluftwaffe (ohne Projektil) und vor allem: „Krieg, Gewalt und Tod sindzentrale Themen des Stücks und werden szenisch dargestellt.“

Empfohlen ist „War Games“, Kriegsspiele, vom altersgemischten Hamburger Ensemble Skart &Masters of the Universe, ab 12 Jahren. Viele Kinder sitzen im Publikum und auch drei der Per-former:innen sind Kinder. Mit Krieg und Waffengewalt sind sie spätestens seit demrussischen Überfall auf die Ukraine überall konfrontiert: im Fernsehen, in der Schule, inVideospielen. Waffen und Krieg erscheinen fast selbstverständlich.

Aber wie erleben Kinder diesen von Erwachsenen geprägten Gewaltdiskurs, wie dieAnziehungskraft von Gewalt oder die Lust an der Angst, die ihnen in Kriegsspielen begegnet?

Damit haben sich die Theatermacher:innen zwei Jahre lang mit Siebt- bis Elfklässler:innen derStadtteilschulen Altona und Eidelstedt in Arbeitsgruppen beschäftigt, haben Expert:inneneingeladen und sich Gedanken über Bühnen- und Kostümbild gemacht. Schließlich wurde alldas zusammengebracht und mit Performer:innen des inklusiven Ensembles Meine Damenund Herren zu einem Theaterabend entwickelt.

Der beginnt leise. Nach frischem Gras riecht es, die Bühne ist eine Spielwiese mit Rollrasen.Da ist noch ein anderer Geruch, vielleicht vom Schleim, der aus einem Behälter auf einen gutgetarnt auf dem Gras liegenden Heckenschützen tropft. Später wird es immer wiederverbrannt riechen. Im Hintergrund steht ein riesiges Mauersegment, darauf groß das Wort„Reue“.

Mit einem Metallsuchgerät betritt eine Figur in weißer Uniform den Rasen. Ist das einKampfanzug oder der Schutzanzug einer Forscherin? Vorsichtig sucht sie den Boden ab,schreckt zurück, wenn das Gerät piept. Dann knallt es hinter ihr und ein Rauchpilz steigt zurDecke. Sie sucht weiter, es knallt wieder. Dunkelheit.

Eine Stunde lang reihen sich solche Szenen aneinander, oft ohne Worte, bildstark, tollbeleuchtet und choreogra!sch. Dazu erklingen mal ruhige Ambientsounds, mal ballertTechnoides wie ein Gewehr. Loops nennt der Abendzettel diese Szenen, auch die dazu auf dieMauer projizierten Worte wiederholen sich bald: Reue, Vergessen, Macht, Exzess.

Mal liegen die Performer:innen auf dem Boden und winden sich wie gefangen, die Uniformensehen dann aus wie Anzüge von Insass:innen einer Anstalt, schließlich werden sie mit einerPistole erschossen. Dann tanzen sie wild oder marschieren militärisch. In extremer Zeitlupeverprügeln sie einen von ihnen brutal. In einer beeindruckenden Szene steht die Kleinste vonihnen in der Mitte der Bühne, mit riesigen Flügeln aus Wahlplakaten von Parteien.

Zu den eindringlichen Bildern gibt es auch Geschichten wie die vom Jungen aus der Schule,der immer drangsaliert wird. Nur einer versucht, die anderen zurückzuhalten. Doch einmal,erzählt dessen Stimme aus dem Off, sei auch er gewalttätig geworden, als der Junge nichtaufgehört hatte zu nerven. Heute denke der Erzähler, dass er bloß noch kindlich gewesen warund tief in seiner Spielwelt steckte. Seinen Blick könne er nie vergessen: Von dir hätte ich dasnicht erwartet ...

Oder die skurrile Geschichte, die einer der Performer als Fliegerbombe erzählt, die alsBlindgänger unter der Erde schlummerte, bis sie entdeckt wird. „Ich liege mit anderenFliegerbomben auf einem Tisch. Ich spüre eine starke Verbundenheit mit ihnen. Auch siehaben es geschafft, nicht sofort hochzugehen.“ Doch mit ihnen zu „connecten“ klappt nichtund sie fühlt sich verletzlich wie eine Kartoffel. Als Kartoffelbrei landet sie im Schlund einesFlugzeugs.

Es sind diese Perspektivwechsel, die „War Games“ nie langweilig werden lassen und am Ende einen eigentümlichen Eindruck hinterlassen vom Spielen mit dem Krieg: Unfassbar bleibt alldas, aber Spaß macht es ja schon, und man staunt und denkt und ist fasziniert – und sorgtsich, wie tief der Krieg unser Miteinander und die Spielwelt unserer Kinder schon prägt.

Und dann hat man wieder viel Hoffnung: Wenn ganz unterschiedliche Menschen gemeinsameinen so schönen Abend über so etwas Schreckliches wie Krieg hinbekommen, dann ist jadoch noch lange nicht alles verloren. Oder?

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Eine düstere Zusammenkunft
Kleine Szenen und absurde Bilder: In „Funny Games“ setzt sich in Hamburg ein Ensemble mit den dunkleren Seiten gemeinsamen Spielens auseinander.
Zwei Kinder stecken in bunten Kostümen aus vielen verschiedenen Stoffen und mit Holzstöckern
Anarchischer Bastel-Charme:
Noch mal! Noch mal! Wer Kinder kennt, kennt die Forderung, das letzte Spiel immer wieder zu wiederholen. Dass irgendwann Schluss sein muss, muss man ja erst mal lernen. Auf der Kampnagel-Bühne in Hamburg ist es noch dazu ein Spiel mit einer Schusswaffe. Die knappen Regeln hat eines der Kinder vom altersgemischten Ensemble Skart & Masters of the Universe (MOTU) vorher laut in die Halle gerufen: 1. Es wird getan, was ich sage! 2. Es wird dieses Ding hier benutzt. 3. Du schießt damit einen Pfeil durch den Apfel auf seinem Kopf. Und Schuss!
Zwischen Bogen und Apfel ist ein durchsichtiges Band gespannt, verfehlen kann der Pfeil sein Ziel also gar nicht. Aber er prallt am Apfel ab und bleibt vor der Stirn in der Luft hängen. Noch mal! Und Schuss! Beim zweiten Mal bleibt er auf halber Strecke stecken. Noch mal! Und Schuss! Schließlich senkt sich ein großes rosafarbenes Tuch mit zwei Augen darauf über die Szene. Es wird dunkel, Licht flackert, aus den Boxen dröhnt ein Sound, als ob ein Hubschrauber über der Halle hin und her fliegt.

Es ist das letzte Spiel der rund einstündigen Performance „Funny Games“, in der sich Skart & MOTU gemeinsam mit dem inklusiven Kollektiv Meine Damen und Herren zum zweiten Mal mit dem gemeinsamen Spielen beschäftigen. Mit dem gleichnamigen Filmexperiment von Michael Haneke über ein brutales Spiel um Leben und Tod, hat das Stück dabei tatsächlich eines gemeinsam: Während es im Vorgänger „Spielen #1“ um die Freiheit ging, nicht alles zu tun, was man muss – und es auch nicht unbedingt können zu müssen -, sind es diesmal die unangenehmen Seiten des Spielens: wenn zu viel gespielt wird, zu lang oder zu rücksichtlos. Wenn es an die Gewalt rührt.
Auch diesmal gibt es keine Geschichte und keinerlei ausdrückliche Moral. Es sind kleine Szenen und absurde Bilder von Spielritualen, die die Per­for­me­r:in­nen in bunt-trashigen Kostümen aus Textilien, Schaumstoff oder Luftballons ausprobieren.
Hin und her
Eine riesige Schaukel steht dafür im Hintergrund der Bühne. Durchgeschnittene Stühle und Absperrgitter liegen am Boden, als steckten sie in ihm. Daneben ragen antike Säulen schief aus dem Boden, dahinter so etwas wie ein Höhleneingang, ebenfalls aus Stühlen. Am rechten Rand stehen Mikrowellen. Beim Vorgänger sah die Bühne aus wie ein aus den Fugen geratener Spielplatz. Diesmal ist es eher eine Ruine.
Aus am Boden verteilten Paketen schälen sich am Anfang des Stückes die Per­for­me­r:in­nen und beginnen, mit ihren merkwürdigen Kostümen ungelenk erst mal zu lernen, wie sie sich fortbewegen können. Einer von ihnen in einem glänzenden schwarzen Anzug mit schwarzem Motorradhelm klettert auf die linke Seite der Schaukel, die anderen versammeln sich am anderen Ende. Als auch dort ein Mädchen in einem voluminösen weißen Kleid auf der Schaukel sitzt, bringt der Rest mit Seilen die Schaukel in Betrieb. Hoch und runter geht es -- bis die Bühne dunkel wird und auch hier das brummende Flackern beginnt.

In einer anderen Szene liegt eine Person unbekleidet auf einer Bahre. Reihum sprechen die Per­for­me­r:in­nen ein paar Sätze und waschen, bemalen oder bestreuen den Körper. Station um Station wird er dabei näher an den Stuhl-Eingang gezogen, der sich nun als Krematorium entpuppt. Unter lautem Knistern und flackernden Licht verschwindet er schließlich darin.
Eine weitere Szene wirkt wie ein Spiel an den Grenzen zur Gewalt: Ein Karton, der von der Decke fällt, wird erst mit Gesängen im Kreis umtanzt, schließlich mit Stöcken gepiekst und wie eine Pinata auf einem aus den Fugen geratenen Kindergeburtstag zerprügelt. Die Reste werden zerrissen.
Unfertig fertig
Was das alles zu bedeuten hat? Wer weiß es schon genau? Viel wichtiger als das Produkt, das merkt man dem Abend immer wieder an, war das gemeinsame Produzieren. Trotz aller Altersunterschiede und Machtgefälle sollen alle gleichberechtigt und dabei professionell zusammenarbeiten, so der ausdrücklich antipädagogische Anspruch: ein emanzipiertes, gemeinsames Lernen. Und die Theaterformen, die dabei entstehen, sollen ebenfalls ganz ausdrücklich unfertig und allen zugänglich sein.
Weil all die wunderbar unterschiedlichen Per­for­me­r:in­nen sichtlich mit großer Hingabe, Präzision und Ernsthaftigkeit dabei sind und die Bilder, die dabei herauskommen, faszinierend anzusehen sind, funktioniert dieser düstere Spielereigen ganz wunderbar.
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Nicht zuletzt, weil man für so ein Spiel mit unfertigen Formen auch im Publikum gar nichts darüber wissen muss, wie das sonst so sein soll und muss im Theater, angeblich. Denn am Ende ist es wie am Anfang, auf der dunklen Bühne liegen alle Per­for­me­r:in­nen wieder wie Pakete. Auf dass sie sich immer wieder auf ein Neues auspacken können und das Theater wieder auf eines Neues beginnt, ganz am Anfang.

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